Горизонтальный театр

КАТЯ БОЧАВАР, ПЁТР АЙДУ

Звуковой перформанс, 50 мин.

Премьера состоялась в 2018 году в рамках холистической комбинаторики в Фонде «ПРО АРТЕ». В 2023 году перформанс прошел в рамках фестиваля «Горький +» в музее Горького и Шаляпина в Казани, в «Заповедном квартале» в Нижнем Новгороде и в павильоне «Школа» парка «Музеон» в Москве.

В «Спиритическом сеансе» зрители наблюдают, как 15 перформеров пытаются вызвать дух Максима Горького. Событие было приурочено к 155–летию со дня рождения самого популярного советского писателя — Максима Горького, личности таинственной и загадочной, причем с самого начала его судьбы — сам писатель долгое время считал, что родился в 1869 году, пока в архивах не нашлись документы, удостоверяющие, что Алексей Пешков (а Горький — это псевдоним писателя) появился на свет в 1868 году.

«Спиритический сеанс» — звуковой перформанс художника Кати Бочавар и композитора Петра Айду. Для каждого события набираются новые участники на основе опен колла, затем с ними проводятся интенсивные репетиции. За огромным столом перформеры извлекают звуки из предметов сервировки — тщательно подобранных Петром Айду «на слух» чашек, пиал, стаканов и блюдец разных тональностей. Из гипнотического состояния, возникшего в процессе игры на посуде, зритель выносит свои собственные ассоциации и уникальный медитативный опыт неожиданно «ожившего» в непривычном формате места. 

«Спиритический сеанс» создан в жанре Художественного Междисциплинарного Анти Театра. Отличительная черта ХМАТа, придуманного Катей Бочавар, — переплетение разных творческих дисциплин: от визуального искусства и саунд-арта до физического театра и вокальных практик.

Участники: Нино Нижарадзе, Владимир Ермаченков, Елисей Белешин, Валерия Борисова, Фати Бесолти, Алексей Грейт, Мария Сапожникова, Коля Ноекёльн, Ксения Голубкина, Наталья Обельчак, Виктория Самохина (sseverachtoli), Ирина Шестак, Максим Моисеев, Алена Орищенко, Мария Горбачева

ВЛАДИМИР РАННЕВ, МАРИНА АЛЕКСЕЕВА

Опера, 80 мин.

Премьера состоялась 20 ноября 2017 года в Электротеатре Станиславский

«Проза» создана на основе текстов Юрия Мамлеева и Антона Павловича Чехова — самых жестких и бескомпромиссных, по мнению авторов оперы, писателей в полуторавековой традиции русского реализма. Они творили с разницей в целый век, но их опыт исследования человеческой природы и социальных отношений актуален и сегодня, точнее — именно сегодня.

Композитор Владимир Раннев трактует рассказ Юрия Мамлеева «Жених» и фрагменты повести Чехова «Степь» как этапы развития одного сюжета. Первый — образец «жестокой» прозы, второй – созерцательный и почти бессобытийный. Написанный в 1980-м году, рассказ Мамлеева представляет собой гиперреалистическое и одновременно фантасмагорическое исследование одного «случая», произошедшего в простой городской семье и радикально поменявшего жизнь героев. Герой чеховской «Степи», мальчик Егорушка, едет в город на воспитание к дальним родственникам, радуясь миру природы, но уже готовясь к открытию нового, непознанного и страшного мира — мира людей. Перед нами — один человек, но увиденный в разное время своей жизни, как если бы Чехов и Мамлеев писали об одной, общей на всех, жизни, и общем мороке. Разные типы текстов и повествований создают напряжение между ними и диктуют принципиальную разность их подачи, что становится основой драматургии оперы Раннева и помогает развернуть перед зрителем высказывание о сложной природе взаимоотношений людей в современном обществе.

Сложно представить более удачную форму для повествования, чем комикс в стиле советского концептуализма, который создала петербургская художница Марина Алексеева. Текст Мамлеева зритель не слушает, а читает. Действие, а точнее быстрая смена картин происходит на полупрозрачном зеркальном экране, отделяющем сцену Электротеатра от зрительного зала. За счет этой прозрачности реальность выглядит объемной и в какие-то моменты кажется, что актеры, вписанные в картинку, – нереальны и являются лишь проекциями.

Призы — «Золотая маска – 2019»: Лучшая работа композитора в музыкальном театре — Владимир Раннев; «Золотая маска — 2019»: Лучшая работа художника по свету в музыкальном театре — Сергей Васильев; Спектакль-участник программы Russian Case фестиваля «Золотая Маска – 2019»; Лауреат премии Casta Diva–2018, театральной премии газеты «Московский комсомолец» за 2018 год и премии Ассоциации музыкальных критиков – 2018.


Композитор и режиссер — Владимир Раннев
 Художник — Марина Алексеева
 Художник по свету — Сергей Васильев
 Музыкальный руководитель — Арина Зверева
 Исполнители — Вокальный ансамбль N'Caged / Ольга Россини, Арина Зверева, Сергей Малинин, Дмитрий Матвиенко
Хор Электротеатра Станиславский — Елена Быркина, Илона Буль, Алина Горина, Алена Кахута, Мария Меньшенина, Татьяна Перевалова, Алена Федорова

СЕРАФИМА КРАСНИКОВА
ДМИТРИЙ МАЗУРОВ

Экспериментальная open-air опера, 60 мин.

Премьера состоялась 1 июля 2023 года на Дягилевском фестивале в Перми.

Каждый человек стремится преодолеть свою гору. Часто достижение вершины становится основным смыслом бытия. Но вот цель достигнута, вершина взята — как теперь спуститься?

 Текст «Поэмы горы» Марины Цветаевой — болезненное воспоминание о достижении высшей точки (наслаждения, жизни, творчества) и неизбежном спуске, утрате, расставании, возвращении «в жизнь, про которую знаем все мы: сброд — рынок — барак». Спектакль начинается с кульминационной высоты и вместе с текстом поэмы двигается вниз, к смерти — и воскрешению.

 Действие разворачивается на набережной реки Камы у подножия церкви. С первым напевом актрисы и фольклорный ансамбль начинают спуск по склону, усеянному «мусором» воспоминаний. «Проживая» основные этапы человеческого бытия, воплощаемые обрядами (рождение, свадьба, смерть), исполнители пытаются соорудить свою метафорическую гору — воссоздать реальность из воспоминаний, вернуть прошлое, повернуть время вспять. Чтобы «выйти из зала» в финале, всем участникам действия и зрителям нужно будет подняться наверх, к церкви, туда, откуда все начиналось.

 Музыкальная составляющая спектакля вдохновлена словами Иосифа Бродского о поэзии Цветаевой: «Время — источник ритма. Помните, я говорил, что всякое стихотворение — это реорганизованное время? Время говорит с индивидуумом разными голосами. У времени есть свой бас, свой тенор. И у него есть свой фальцет. Если угодно, Цветаева — это фальцет времени. Голос, выходящий за предел». В партитуре Дмитрия Мазурова — композитора и звукового художника, на постоянной основе сотрудничающего с musicAeterna и Дягилевским фестивалем, — используются фольклорные голоса, аккордеон, духовые в сочетании с dark электроникой.


Текст — Марина Цветаева
 Режиссер — Серафима Красникова
 Композитор — Дмитрий Мазуров
 Художник — Вадим Тишин
 Костюмы — Вадим Тишин
 Хореограф — Ольга Цветкова

АЛЕКСАНДР БЕЛОУСОВ

Опера–спектакль, 80 мин.

Премьера состоялась 20 февраля 2020 года на Малой сцене Электротеатра Станиславский

В опере используется перевод Константина Бальмонта поэмы Уильяма Блейка The Book of Thel на русский язык («Книга Тэль», 1921) и перевод Вирджинии Вульф (и Сэмюэля Котелянского) фрагмента романа Достоевского «Бесы» на английский язык (Stavrogin’s Confession, 1922).

В произведении Александра Белоусова смонтированы два произведения: первая пророческая поэма Уильяма Блейка «Книга Тэль» (1789) о дочери Серафима, которая в поиске причины своей тоски обращается к Лилии Долин, потом к Облаку и Червю и, наконец, попадает в лоно Земли, где обнаруживает источник страдания человека; и глава «У Тихона» из романа Достоевского «Бесы», где главный герой, Николай Ставрогин, ведет разговор с архиереем Тихоном, представив ему письменное свидетельство своих прошлых грехов. В обоих случаях речь идет о Желании. Желание человеку дано. Но у Достоевского Ставрогин говорит: «Я всегда господин себе когда захочу». Если Блейк (за столетие до Фрейда) только обнаруживает Желание, как источник движения человека, то Достоевский предлагает способ осознанной работы с ним.

Название «Книга Серафима» отсылает нас к имени отсутствующего рассказчика – того, чьими глазами зритель видит и слышит историю, того фантастического ветхозаветного существа, чье изображение помещает Блейк на последней странице собственноручного издания своей поэмы.

«Опера Белоусова называется "Книга Серафима": оба текста в ней соединены, они звучат по-русски и по-английски в симметричных переводах и изумительно сливаются. Тут все сошлось вместе: авторское искусство режиссера и композитора как создателя Gesamtkunstverk, мастерство певцов вокального ансамбля N’Caged, вместе с которыми поют и играют драматические актрисы, видео, танец, фонограмма и свет». (текст Пётр Поспелов, газета «Ведомости»)

Опера–спектакль «Книга Серафима» отмечена в восьми номинациях на национальную премию «Золотая маска — 2021»:
 Работа дирижера — музыкальный руководитель Арина Зверева
 Работа режиссера — Александр Белоусов
 Женская роль — Ольга Россини, Тэль Поющая
 Мужская роль — Сергей Малинин, Ставрогин
 Мужская роль — Дмитрий Матвиенко, Тихон
 Работа композитора в музыкальном театра — Александр Белоусов

КАТЯ БОЧАВАР, ПЁТР АЙДУ

Перформанс, 50 мин.
Премьера состоялась в 2013 году в ДК «Огнеупорщик» в Первоуральске.

Созданный по мотивам пьесы Уильяма Шекспира «Ромео и Джульетта», перформанс объединяет современный танец, шумовые машины, игру на экспериментальных музыкальных инструментах и текстовую деконструкцию в единый спектакль.

«Формат перформанса предполагает необычный подход: авторы создавали хореографию, звуковую партитуру и сценографию непосредственно в процессе репетиций. Участниками спектакля стали не только танцоры и музыканты, но и окружающие их инструменты. Урал знаменит своими театрами и школами современного танца, поэтому неудивительно, что именно здесь хореограф Анна Абалихина осуществила давно задуманный ею проект. За очень короткий срок со­всем еще юные и неопытные исполнители — студенты факультета танца екатеринбургского Гуманитарного университета — восприняли не только приемы техники мастера, но и философию современного танца. В спектакле задействованы шумовые машины, которые имитируют звуки природы: вьюгу, шум дождя. Это 18 звуковых аппаратов, выполненных в мастерских Екатеринбурга. Они оказались способны не только создать ритмический композиционный «скелет», но и добавить тонкие, почти живописные нюансы — например, обволакивающий шорох морского прибоя. Удивительным образом шумовые инструменты оказались и частью визуального полотна: то напоминая средневековую кузницу, то создавая похожий на кладбищенский пейзаж и тем самым «говоря» о трагическом финале шекспировской драмы. В звуковую партитуру вплетены и звуки перенастроенных пианино. Это старые инструменты, которые уже не использовались и могли быть выброшены, но в итоге попали в спектакль. Они были специальным образом перенастроены и теперь представляют собой уже не пианино, а совершенно новые акустические объекты. Очень важным, как для самих музыкантов, так и для перформанса, стало участие в нем екатеринбургского ансамбля Flos Florum с их реконструированными средневековыми инструментами. Одним из солирующих стал пирамидальный органистр, воссозданный руководителем ансамбля Александром Старковым. Кульминацией перформанса стала композиция, исполненная на уникальном «инструменте», созданном из труб, вы­пуска­емых Первоуральским новотрубным заводом. Объект был придуман композитором и дирижером Петром Айду и художником Катей Бочавар под впечатлением от посещения завода, а разработан инженерами предприятия. Теперь, в готовом виде, он представляет собой одну из самых больших в мире перкуссий и важнейший элемент сценографии. Исполнил произведение в спектакле сам Пётр Айду. Драматическая декламация шекспировского текста от лица разных персонажей в исполнении Юлии Шимолиной резко контрастировала с холодной рационалистичностью визуальной композиции спектакля, тем самым придавая ему особое эмоциональное напряжение. Неотъемлемой частью действа предстал и сам Дворец культуры, антураж которого во многом определял детали постановки. Итогом такого симбиоза стало удивительно яркое представление, увлекающее зрителя и позволяющее пережить знакомую каждому пьесу на новом уровне». (текст Карина Кирчакова)

Перформанс вошел в шорт-лист Гран-при премии Курёхина.

Режиссер — Катя Бочавар
Композитор — Пётр Айду
Хореограф — Анна Абалихина
Декламация фрагментов пьесы Уильяма Шекспира «Ромео и Джульетта» в переводе Бориса Пастернака — Юлия Шимолина
 Куратор проекта — Алиса Прудникова

ДУНЯ ФРАНКШТЕЙН, БОРИС ЛЕСНОЙ

Эко-опера, 60 мин.

Премьера состоялась  в 2019 году в Новой Третьяковской галерее на фестивале Brusfest. Опера была показана в Музее Москвы в контексте выставки «Москва-река» и в галерее-мастерской ГРАУНД Солянка.

Музыкальная часть перформанса, помимо камерного оркестра, сопрано и хора, включает звуковую инсталляцию, полностью основанную на звуках воды в различных агрегатных состояниях. Минималистичная хореография, исполняемая жрицами утопического культа на грани ритуального действия, сопровождает всю постановку, вовлекает зрителей в симбиотический процесс осмысления пространства музейного «белого куба» и его трансформации то в аквариум, то в чашу Петри, то в лужу и океан.

 Становясь субъектом перформанса, вода превращает исполнителей в объекты своего воздействия. Ее физические и химические свойства становятся хореографическим и музыкальным материалами, погруженными в мифологический контекст. Главные герои постановки олицетворяют как реальных, так и вымышленных существ, связанных с этой стихией — Наяда, Сантехник, Харон, Хор капель. Либретто постановки составляют интервью, публицистические и научные данные о воде, а также экологический статус-кво.

 Используя воду как ресурс и как символ, создатели предлагают посмотреть на экологию в широком смысле, подразумевая новый подход к политическим, экономическим и социальным вопросам современности.


 Режиссер-композитор — Борис Лесной
 Продюсер и художник — Дуня Франкштейн
 Оператор — Екатерина Кобзарь
 Драматург — Елизавета Шестакова
 Хореограф — Саша Ветрова
 Художник по костюму — Вартан Мартынян
 Сопрано — Мария Шимчук
 Хор — Полина Ревис, Анастасия Россохина, Ева Тардес, Александра Подольская, Вера тер-Габриэлян
 Контрабас — Роман Комлев
 Флейта — Анна Соколова

НИКОЛАЙ ПОПОВ

Опера, 26 мин.

Премьера состоялась в сентябре 2020 года в рамках выставки «Заземление» в ГРАУНД Солянке. Спецпроект «VII Московской международной биеннале молодого искусства».

Район Ивановской горки полон захватывающих историй и невероятных контрастов. Его многослойность стала отправной точкой для авторов выставочного проекта «Заземление. Выставка-опера». Студенты курса «Сценография» Британской высшей школы дизайна создали в пространстве галереи-мастерской ГРАУНД Солянка «межвременную коммуналку». Опера «Ивановская горка» продолжила общую тему выставки — погружения в альтернативное краеведение на стыке документа и мифа.

В партитуру оперы вплетаются звуки взаимодействия с бытовыми предметами: пересыпание соли и перезвоны винтажной посуды, переливание воды и лепка из теста. Со временем наслоения нарастают, к ним добавляются и набор будто заколдованных отдельных слов, и пение, перерастающее в своеобразную молитву, и звон колоколов — всё это завлекает зрителя в мистический саспенс–обряд, символизирующий звуки района Ивановской горки.

Запись, которую вы видите, была сделана при повторном показе перформанса. Во время пандемии ГРАУНД Солянка представила интернет-аудитории онлайн перформанс «Мыльная опера», который шел в реальном времени 5 часов. Действие «Ивановской горки», как и других произведений, разворачивалось на фоне создания Семеном Мотолянецем инсталляции «Ненадежная конструкция из хозяйственного мыла».



Композитор — Николай Попов
 Вокал — Саша Хахан, Маша Самохвалова, Елена Сакирко, Катя Новак, Даша Шифт, Катя Клецина
 Кураторы — Катя Бочавар, Арина Зверева
Продюсеры — Катя Ливергант, Рустам Вахидов
Интервьюер — Ксения Ламшина
Художник по свету — Александр Романов
Исполнительный продюсер — Андрей Борисов

КАТЯ БОЧАВАР, АЛЕКСЕЙ СЮМАК

Музыкальный видео–спектакль, 42 мин.

Онлайн-премьера состоялась 19 декабря 2020 года в рамках «Демидова Фест» в ГРАУНД Солянке. В июне 2022 года спектакль принял участие в Дягилевском фестивале в Перми.

Проект был задуман как видео–спектакль, однако также успешно был сыгран на сцене в программе Дягилевского фестиваля. «Территория Гамлет» — оммаж знаменитой работе Аллы Демидовой в спектакле «Гамлет-урок», поставленном для нее греческим режиссером Теодоросом Терзопулосом в афинском театре «Аттис».  В постановке использованы фрагменты из пьесы Уильяма Шекспира «Гамлет».

«Воздушные барочные стилизации Алексея Сюмака — как паруса для лаконичной ритмизованной структуры действа, которое Катя Бочавар построила вокруг сцены "Мышеловки" из "Гамлета". Хруст сухой ветки — как универсальная метафора слома, конца — и нового начала. Перформанс, который Бочавар ставила про принца датского, Сюмак сочинял про Офелию, а перформеры и зрители играют на собственных ветках про что хотят, оставляет достаточно пространства для поиска ответов на любые вопросы культуры и жизни — от шекспировского "Быть или не быть?" до чеховского "Отчего вы всегда ходите в черном?", от деления персонажей на главных и второстепенных до того, как художник проявляется в искусстве». (Дягилевский фестиваль/Пермь)


 Режиссер — Катя Бочавар
 Композитор — Алексей Сюмак
 Саунд-артист — Дмитрий Мазуров
 Исполнители — Анна Абалихина, Ольга Власова, Арина Зверева, Ольга Россини
 Режиссер видеосъемки — Екатерина Телегина
 Оператор — Анна Шепилова
 Продюсер — Марта Руказенкова
 Художник по свету — Фёдор Мясников
 Звукорежиссер — Виталий Цимбалист
 Монтаж — Илья Новиков

ВЛАДИМИР ЕРМАЧЕНКОВ, ФАТИ БЕСОЛТИ

 Перформативная инсталляция, 50 мин.
Премьера состоялась в марте 2024 в галерее-мастерской ГРАУНД Солянка
«Химера» создана во время острых глобальных изменений, делений и расколов. Настаивая на долгих затяжных планах экспонирования, перформанс проявляется как тягучее размышление о возникновении природы инаковости, отличия. Но работа акцентируется не на одиночестве или обреченности положения, а, скорее, на утверждении присутствия в среде, где инаковость — явление, без которого невозможно постичь самое себя и свое место в этом мире. Перформанс комбинирует аудиальное и визуальное присутствие.
Электроакустические ландшафты — подготовленная импровизация из электроники и расширенных техник работы с вокалом. Созданное Фати Бесолти масштабное вибрирующее звуковое пространство само превращается в активно действующий персонаж перформанса, помогая раскрыть, обнажить образ героя «Химеры».

Режиссер — Владимир Ермаченков
 Композитор — Фати Бесолти