И другие выставки на арт-платформе Cube.Moscow, которые необходимо посмотреть, пока они не закрылись. Выбор Солянки.
Персональная выставка Дениса Крюкова «Помехи», галерея M.A.R.S.H.
27 января — 25 февраля 2024
Куратор Роман Шалганов и галерея M.A.R.S.H. представляют первую персональную выставку Дениса Крюкова, более известного в роли писателя («Кругом сплошное лето», «1:1», «Садовое товарищество», «Билет для зайца»), кино-обозревателя, сценариста («Ночные зимние люди»), редактора («ОМ», Vogue, «Другое кино», «Гунфу», Ex Libris, Harper’s Bazaar), создателя уникального книжного угла «Живёт и работает», а с недавних пор — заведующего библиотекой Дома творчества Переделкино.
Последние два года Крюков работал над серией графики, которая отчасти наследует экспериментам Виктора Пивоварова с изображением и текстом, но раскрывается в уникальном авторском графическом стиле, где линии текста и изображения уравниваются. Начав с работ плакатного и стенгазетного типа, художник постепенно перешел к более сложным и многослойным литературным экспериментам, в конце закономерно обнаружив, что и текста, и изображения может быть иероглифически мало. Такие работы, построенные на игре слов и символов («Хочешь еж, не хочешь – не еж»), в которых «текст и картинка ставят друг друга в неловкую ситуацию», автор называет эмблематическими.
27 января — 25 февраля 2024
Куратор Роман Шалганов и галерея M.A.R.S.H. представляют первую персональную выставку Дениса Крюкова, более известного в роли писателя («Кругом сплошное лето», «1:1», «Садовое товарищество», «Билет для зайца»), кино-обозревателя, сценариста («Ночные зимние люди»), редактора («ОМ», Vogue, «Другое кино», «Гунфу», Ex Libris, Harper’s Bazaar), создателя уникального книжного угла «Живёт и работает», а с недавних пор — заведующего библиотекой Дома творчества Переделкино.
Последние два года Крюков работал над серией графики, которая отчасти наследует экспериментам Виктора Пивоварова с изображением и текстом, но раскрывается в уникальном авторском графическом стиле, где линии текста и изображения уравниваются. Начав с работ плакатного и стенгазетного типа, художник постепенно перешел к более сложным и многослойным литературным экспериментам, в конце закономерно обнаружив, что и текста, и изображения может быть иероглифически мало. Такие работы, построенные на игре слов и символов («Хочешь еж, не хочешь – не еж»), в которых «текст и картинка ставят друг друга в неловкую ситуацию», автор называет эмблематическими.
На открытии многие посетители, не знакомые с методом Крюкова, ошибочно принимали вручную расписанные линером листы за тиражные отпечатки, обработанные на компьютере, что совсем не удивительно. Созданные с педантичностью потомственного типографа работы фотографически точно выхватывают фрагменты хорошо знакомого и автору, и среднестатистическому жителю Москвы и Подмосковья пейзажа, будь то дома в Переделкино, окрестности станции Аминьевская, стандартное СНТ или анонимное болото, но могут отсылать и к вездесущему «где-то посреди нигде». Они дополняются текстом, выхваченным словно из современной русской прозы или из подслушанных разговоров никогда не видимых и всегда находящихся за кадром жителей этих мест, на самом же деле часто представляющим собой вольные размышления автора, накладываемые на пейзаж. Этот узнаваемый мир будто пропущен через лучи и перфорации, потому что в процессе излучения света мы ловим не все сигналы и отражаем их тоже с помехами. Эти помехи, белый шум, вносят хаос и деконструкцию в знакомые нарративы, из-за чего они воспринимаются иначе. По словам самого художника, получается такой проиллюстрированный условный Константин Георгиевич Паустовский, посылающий Ивану Сергеевичу Тургеневу или Петру Андреевичу Вяземскому слабые мерцающие сигналы, разбитые на линии, как будто их пропустили через шредер, а потом снова собрали в одно целое.
Коллективная выставка «3 × 5», PA Gallery
27 января — 25 февраля 2024
PA Gallery отмечает пятилетие своего существования выставкой, собравшей наиболее знаковые работы всех художников галереи. В названии заключена легко читаемая формула: количество пройденных лет, помноженное на число основных акторов — основательниц Елены Паршиной и Надежды Аванесовой и партнера галереи Александра Баландина. А куратором проекта стала Катя Бочавар — арт-директор «Выкса-фестиваля» и директор галереи ГРАУНД Солянка, выступающая здесь также в роли художника.
27 января — 25 февраля 2024
PA Gallery отмечает пятилетие своего существования выставкой, собравшей наиболее знаковые работы всех художников галереи. В названии заключена легко читаемая формула: количество пройденных лет, помноженное на число основных акторов — основательниц Елены Паршиной и Надежды Аванесовой и партнера галереи Александра Баландина. А куратором проекта стала Катя Бочавар — арт-директор «Выкса-фестиваля» и директор галереи ГРАУНД Солянка, выступающая здесь также в роли художника.
Оставаясь верной своей стратегии во всем, Бочавар создает тотальную экспозицию-инсталляцию, объединяя работы всех художников в спектакль медиумов, фактур, экспериментов с формой и взаимодействия визуальных языков, непосредственно обращенный к зрителю. Созерцать этот эмоциональный ландшафт можно лежа на скамейках со звукоизоляционным покрытием под музыку композитора Марии Аникеевой. Общее тело выставки собирается из работ, демонстрирующих практически все возможные свойства материи: от максимально опасных и жестких «тёрок» нонконформиста Владимира Трямкина, выставлявшегося с такими художниками как Леонид Пурыгин, Анатолий Зверев, Илья Кабаков и Дмитрий Пригов, и распадающихся минималистичных зеркальных полотен участника студии «Непокоренные 17» Антона Конюхова — до пустотного прозрачного интерьера из анти-предметов Анны Желудь и невесомых объектов из фарфора и бумаги Анны Казьминой. За цветные массы на холсте отвечает Андрей Волков, за телесную трансформацию — Алиса Горелова и Евгений Чубаров, за метаморфозы и изменчивость образов — Адиль Аубекеров, за нереально гладкий, почти виртуальный пейзаж — Олег Хвостов. И за всем этим наблюдают как бы найденные лет через 100 на археологических раскопках удивленные головы современных рыцарей в балаклавах Андрея Сяйлева.
Коллективная выставка «Корпус», Московская школа современного искусства (MSCA)
27 января — 25 февраля 2024
Метафорическую линию тела, меняющегося и заявляющего о своих границах под воздействием внешней среды, продолжает выставка «Корпус» выпускников Московской школы современного искусства (MSCA). Здесь, казалось бы, уже классическая студенческая тема поисков, проявления и защиты идентичности обретает новое и очень острое звучание в таких работах, раскрывающих разнообразные стратегии адаптации. Так «Саморез» Екатерины Герун — большая драпировка из нежной воздушно-пузырчатой пленки и вонзившихся в нее саморезов — превращается в почти непробиваемую и опасную броню, напоминающую королевскую мантию. В иконографическом портрете «Мученика с ребенком» Сергея Ратничкина, создающего работы на строительном баннере с применением нефти и использующего химическую токсичность и физическое разложение как метафору психологической токсичности и ментального разложения, «герои меняют свой облик под воздействием токсичной среды. Являясь жертвами независящих от них обстоятельств, эти великомученики смиренно продолжают свое существование, стойко вынося тяжелые испытания». В абстрактных капроновых портретах-объектах Елены Суровой раскрывается тема психо-физических трансформаций женщин под давлением стандартов красоты, объективации и стигматизации возрастных изменений. А Элли Алексеева, работая с биополимерами и обращаясь к теме пугающей «темной материи» (dark (side) matter), захлестывающей все черной хокусаевской волной, пытается заглянуть в будущее и превратить свой страх в партнера по конструированию желаемого.
27 января — 25 февраля 2024
Метафорическую линию тела, меняющегося и заявляющего о своих границах под воздействием внешней среды, продолжает выставка «Корпус» выпускников Московской школы современного искусства (MSCA). Здесь, казалось бы, уже классическая студенческая тема поисков, проявления и защиты идентичности обретает новое и очень острое звучание в таких работах, раскрывающих разнообразные стратегии адаптации. Так «Саморез» Екатерины Герун — большая драпировка из нежной воздушно-пузырчатой пленки и вонзившихся в нее саморезов — превращается в почти непробиваемую и опасную броню, напоминающую королевскую мантию. В иконографическом портрете «Мученика с ребенком» Сергея Ратничкина, создающего работы на строительном баннере с применением нефти и использующего химическую токсичность и физическое разложение как метафору психологической токсичности и ментального разложения, «герои меняют свой облик под воздействием токсичной среды. Являясь жертвами независящих от них обстоятельств, эти великомученики смиренно продолжают свое существование, стойко вынося тяжелые испытания». В абстрактных капроновых портретах-объектах Елены Суровой раскрывается тема психо-физических трансформаций женщин под давлением стандартов красоты, объективации и стигматизации возрастных изменений. А Элли Алексеева, работая с биополимерами и обращаясь к теме пугающей «темной материи» (dark (side) matter), захлестывающей все черной хокусаевской волной, пытается заглянуть в будущее и превратить свой страх в партнера по конструированию желаемого.
Художники: Екатерина Герун, Елена Сурова, Сергей Ратничкин, Элли Алексеева, Дарья Сидорина.
Персональная выставка Славы Нестерова Will We Meet Tomorrow?, Syntax Gallery
27 января — 25 февраля 2024
Родившийся в Перми художник Слава Нестеров получил свое первое образование по направлению теории человеческого капитала, а известность как художник приобрел благодаря соединению в гремучую смесь деконструированных мифов и фольклорных представлений, метафизического, хтонического с пост-иронией, современной хоррор-эстетикой и цифровой реальностью.
27 января — 25 февраля 2024
Родившийся в Перми художник Слава Нестеров получил свое первое образование по направлению теории человеческого капитала, а известность как художник приобрел благодаря соединению в гремучую смесь деконструированных мифов и фольклорных представлений, метафизического, хтонического с пост-иронией, современной хоррор-эстетикой и цифровой реальностью.
В проекте Will We Meet Tomorrow?, представленном Syntax Gallery, художник задается одним из главных вопросов сегодняшнего дня — «Мы встретимся завтра?», погружая зрителя в глухую, запутанную и кажущуюся непроходимой чащу мира созданного им легендариума Торот. Проект «Торот» возник в 2023 году из серии графических листов-раскрасок, стилистически отсылающих к иллюстрациям русского художника Ивана Билибина, участника объединения «Мир Искусства». «Toрoт» не является значащим словом, оно является лишь схемой метатезы (взаимной перестановки звуков или слогов в словах на почве слияния или разделения) звуков в восточнославянских языках. Превращаясь в буквенное выражение, Торот становится палиндромом, читающимся одинаково слева направо и справа налево.
На сакральных территориях Торота метафизические образы соединяются с материальными, непонятные существа, несуществующие растения и чудские бронзовые образки встречаются в закольцованном танце, уводящем нас во все более разрастающуюся чащу, наполняющуюся новыми образами, символами и знаками. Кажется, что выхода из этого самовоспроизводящегося леса нет. Но художник верит, что за темной чащей брезжит свет, стоит только посмотреть на звезды и по ним найти дорогу.
Коллективная выставка «В своей тарелке», галерея и арт-магазин Cubed
27 января — 25 февраля 2024
В лектории пространства Cube.Moscow проходит еще одна коллективная выставка — «В своей тарелке» — которую тоже курирует Катя Бочавар. В Cube вообще любят тарелки, ведь они, в отличие от больших произведений художников, гораздо более доступны, тарелку можно подарить и даже разбить на счастье, с намеком, тарелка отсылает к архетипу волшебного блюдечка с голубой каемочкой, исполняющего желания. На этот раз Катя Бочавар собрала художников и керамистов, хорошо знакомых по выставкам в ГРАУНД Солянке, создававших свои расписанные тарелки в школе гончарных искусств «Дымов Керамика» в Суздале, или использующих свой собственный уникальный метод.
27 января — 25 февраля 2024
В лектории пространства Cube.Moscow проходит еще одна коллективная выставка — «В своей тарелке» — которую тоже курирует Катя Бочавар. В Cube вообще любят тарелки, ведь они, в отличие от больших произведений художников, гораздо более доступны, тарелку можно подарить и даже разбить на счастье, с намеком, тарелка отсылает к архетипу волшебного блюдечка с голубой каемочкой, исполняющего желания. На этот раз Катя Бочавар собрала художников и керамистов, хорошо знакомых по выставкам в ГРАУНД Солянке, создававших свои расписанные тарелки в школе гончарных искусств «Дымов Керамика» в Суздале, или использующих свой собственный уникальный метод.
Тарелки, вызывающие на выставке больше всего философских споров, созданы по авторской технологии создательницей бренда посуды и предметов интерьера About people ceramic Оксаной Афанасьевой. Художница создает «керамику про людей», стремясь показать красоту, чувства, боль и желания человека вне зависимости от пола, возраста или расы, часто расписывает объекты без предварительного эскиза, выпуская на свет образы из своего подсознания. А иногда даже расшивает их красной нитью. Что важнее – «Свобода» или «Любовь»? И если кажется, что в реальном мире не существует ни того, ни другого, то выбор становится практически невозможным. И хочется иметь хотя бы такое напоминание о гипотетической возможности любви или свободы.
Также здесь можно найти тарелки из песенной серии Вари Павловой (Lisokot), тарелки о сложности выбора между собой и другим Дарьи Сурмило, тарелки из серии «Женское дело» Юли Степановой, знаменитые винтажные тарелки с блошиного рынка Юрия Татьянина, дополненные ручной лепкой с зайцами и мухоморами, прямоугольные тарелки с литературными сюжетами Даши Зиборовой, эротические тарелки Ромы Манихина из серии «Сладких снов», а также тарелки от Ксении Драныш, Агаты Крыловой, Андрея Логвина, Александры Маховой, Кати Мороз, Сони Уткиной, Tist on fire, Сергея Пахомова (Пахома) и самой Кати Бочавар. Среди более чем 100 тарелок, выполненных в самых разных техниках, уж точно можно найти свою единственную.
Коллективная выставка «Всё на своих местах», галерея Небеса
27 января — 25 февраля 2024
Новый резидент Cube.Moscow галерея Небеса представляет работы трех современных художников, объединенные размышлениями о сходстве и различии живого и неживого. Проект «Всё на своих местах» собрал Наталью Попову, Бориса Макарова и Марию Высотскую — их скульптурные, графические и живописные произведения приглашают зрителя к диалогу о природе реальности и поднимают вопрос о подлинности линейного и очевидного восприятия мира.
Каждый художник работает в своей уникальной творческой манере и техниках. Особенно интересны здесь произведения Натальи Поповой, которая с помощью синтетических полимерных материалов, древесной коры, смол, пластмасс, штукатурки и акрила создает объекты, словно напоминающие что-то хорошо знакомое, но обладающее принципиально новыми свойствами. В этих работах всегда присутствует ритм и структура, обусловленная свойствами самих материалов.
27 января — 25 февраля 2024
Новый резидент Cube.Moscow галерея Небеса представляет работы трех современных художников, объединенные размышлениями о сходстве и различии живого и неживого. Проект «Всё на своих местах» собрал Наталью Попову, Бориса Макарова и Марию Высотскую — их скульптурные, графические и живописные произведения приглашают зрителя к диалогу о природе реальности и поднимают вопрос о подлинности линейного и очевидного восприятия мира.
Каждый художник работает в своей уникальной творческой манере и техниках. Особенно интересны здесь произведения Натальи Поповой, которая с помощью синтетических полимерных материалов, древесной коры, смол, пластмасс, штукатурки и акрила создает объекты, словно напоминающие что-то хорошо знакомое, но обладающее принципиально новыми свойствами. В этих работах всегда присутствует ритм и структура, обусловленная свойствами самих материалов.
С ней перекликаются экспрессивные керамические скульптуры Бориса Макарова, также оставляющие впечатление самоопределившихся форм, созданных не человеком, а выросших из материала как такового, и оставляющих свободу для зрительской интерпретации. Сюрреалистические живописные работы Марии Высотской играют со зрителем в загадки — сможете ли вы догадаться, что ее композиции вдохновлены сценами из работ таких художников, как Леонардо да Винчи («Битва при Ангиари», 1505), Теодор Жерико («Плот “Медузы”», 1819) и Джорджо де Кирико?
Персональная выставка Вадима Тишина «Маленький принц», Kupol Gallery
27 января — 25 февраля 2024
Kupol Gallery и художник Вадим Тишин предлагают обратиться к вечной теме одиночества, взросления, важности дружбы и необходимости добра. Художник, работы которого находятся в частных коллекциях в Англии, США, Швейцарии, Эстонии и Испании, работает в разнообразных медиа — он создает и декорации, и ювелирные украшения, и костюмы, и керамику, и графику, но отличительной чертой многих его объектов является видимая театральность. Вот и в графической серии, посвященной сказке Экзюпери, он нарочито создает ощущение театра — зрителю предлагается подглядывать за героями «Маленького принца» в нарисованные замочные скважины, попеременно наблюдая за Лисом, Розой, Принцем и другими жителями планет, где он побывал. Иногда из замочной скважины выглядывает сам художник, одновременно предстающий и в роли рассказчика, и в роли всех персонажей книги, но в первую очередь, конечно, ее главного героя.
27 января — 25 февраля 2024
Kupol Gallery и художник Вадим Тишин предлагают обратиться к вечной теме одиночества, взросления, важности дружбы и необходимости добра. Художник, работы которого находятся в частных коллекциях в Англии, США, Швейцарии, Эстонии и Испании, работает в разнообразных медиа — он создает и декорации, и ювелирные украшения, и костюмы, и керамику, и графику, но отличительной чертой многих его объектов является видимая театральность. Вот и в графической серии, посвященной сказке Экзюпери, он нарочито создает ощущение театра — зрителю предлагается подглядывать за героями «Маленького принца» в нарисованные замочные скважины, попеременно наблюдая за Лисом, Розой, Принцем и другими жителями планет, где он побывал. Иногда из замочной скважины выглядывает сам художник, одновременно предстающий и в роли рассказчика, и в роли всех персонажей книги, но в первую очередь, конечно, ее главного героя.
Персональная выставка Юли Шафаростовой «Зачем снятся сны?», Most Wanted Gallery
27 января — 25 февраля 2024
Краснодарская художница Юля Шафаростова тоже обращается к теме детства и признается, что все ситуации в жизни, которые с ней происходили, находят отражение в том, что она делает. Исследуя феномен мифологизации личности и используя методы психогеографии, художница погружается в миры своего бессознательного и приглашает последовать за собой зрителя. В новом проекте она пытается переосмыслить значение своих детских снов и сопоставить мечты и наступившую реальность, ответив на важные вопросы: повлияли ли сны на то, кем она стала, сбылись ли ее детские представления о себе взрослой, остались ли кошмары кошмарами. Графическая серия «Невероятные приключения Юли Шафоростовой» дополнена объектами — в центре стенда галереи раскачивается невесомое ложе принцессы, укрытое «Звонким пледом», расшитым бисером и колокольчиками, с ночника, украшенного ручным шитьем, подмигивают созвездия и летающие тарелки-грибы, а ловец снов приманивает нужные хорошие сны.
27 января — 25 февраля 2024
Краснодарская художница Юля Шафаростова тоже обращается к теме детства и признается, что все ситуации в жизни, которые с ней происходили, находят отражение в том, что она делает. Исследуя феномен мифологизации личности и используя методы психогеографии, художница погружается в миры своего бессознательного и приглашает последовать за собой зрителя. В новом проекте она пытается переосмыслить значение своих детских снов и сопоставить мечты и наступившую реальность, ответив на важные вопросы: повлияли ли сны на то, кем она стала, сбылись ли ее детские представления о себе взрослой, остались ли кошмары кошмарами. Графическая серия «Невероятные приключения Юли Шафоростовой» дополнена объектами — в центре стенда галереи раскачивается невесомое ложе принцессы, укрытое «Звонким пледом», расшитым бисером и колокольчиками, с ночника, украшенного ручным шитьем, подмигивают созвездия и летающие тарелки-грибы, а ловец снов приманивает нужные хорошие сны.
Персональная выставка Татьяны Ян «Обретенный сад», галерея КультПроект
27 января — 25 февраля 2024
Татьяна Ян — живописец, график, графический дизайнер, скульптор, писатель и театральный художник, основное предпочтение отдает станковой живописи. Ее выставка «Обретенный сад» в галерее КультПроект выводит на первый план идею вечного сада, как воплощение бренной красоты в нескончаемом повторении циклов. Сад становится ключевым персонажем, точкой отсчета и возвращения, к которой художница обращается в своих размышлениях о времени, бренности бытия и поиске гармонии, ведущей человека по жизни сквозь невзгоды и радости судьбы. Запечатлевая растения, цветы и плоды в вечном саду в различных состояниях их цикличной жизни, автор отмечает неизменность законов вселенной и единство времени.
27 января — 25 февраля 2024
Татьяна Ян — живописец, график, графический дизайнер, скульптор, писатель и театральный художник, основное предпочтение отдает станковой живописи. Ее выставка «Обретенный сад» в галерее КультПроект выводит на первый план идею вечного сада, как воплощение бренной красоты в нескончаемом повторении циклов. Сад становится ключевым персонажем, точкой отсчета и возвращения, к которой художница обращается в своих размышлениях о времени, бренности бытия и поиске гармонии, ведущей человека по жизни сквозь невзгоды и радости судьбы. Запечатлевая растения, цветы и плоды в вечном саду в различных состояниях их цикличной жизни, автор отмечает неизменность законов вселенной и единство времени.
Экспозиция охватывает большинство медиумов — живопись, графику, авторские тексты, фотографии, а также фильм «Обретенный Сад», созданный из материалов о работе Татьяны Ян над проектом Nostos / il Giardino Ritrovato (Nostos / «Вновь открытый сад»), который будет проходить в Риме в базилике Santa Pudenziana в апреле 2024 года. Работа над фильмом осуществлена студией документального кино о художниках Artarea Doc при поддержке галереи Культпроект.
«Сад есть у каждого, реальный или внутренний. Работа в саду — труд удерживания реальности жизни. Мы не можем влиять на внешний мир, но можем заниматься своим (внутренним) садом. Состояние полноты жизни, что дарит сад, для меня сродни радости от погружения в работу. Обретение себя в работе как самоукоренение», — говорит художница Татьяна Ян.
«Сад есть у каждого, реальный или внутренний. Работа в саду — труд удерживания реальности жизни. Мы не можем влиять на внешний мир, но можем заниматься своим (внутренним) садом. Состояние полноты жизни, что дарит сад, для меня сродни радости от погружения в работу. Обретение себя в работе как самоукоренение», — говорит художница Татьяна Ян.
Персональная выставка Екатерины Кудрявцевой «Отражения наблюдений», Arts Square Gallery
27 января — 25 февраля 2024
Еще один сад, вернее — миры нерукотворных садов, становится центром притяжения для Екатерины Кудрявцевой, представляющей свой проект «Отражения Наблюдений». Художница, вдохновившись полями и далями в родной деревне Сулость под Ростовом Великим, в большой серии живописных холстов передает свое ощущение от реальных пейзажей, сплетающихся в метафизические, даже сюрреалистические миры, в которых природа становится храмом. Кудрявцева фокусирует свое внимание и внимание зрителя на упорядоченности и покое, гармонии, свойственной каждому живому дереву, цветку или листу. Ее насыщенные оттенками, но иногда почти монохромные работы буквально затягивают в свое сложное и пульсирующее пространство, по ним можно бесконечно скользить взглядом, распутывая сплетение листьев, стволов и ветвей.
27 января — 25 февраля 2024
Еще один сад, вернее — миры нерукотворных садов, становится центром притяжения для Екатерины Кудрявцевой, представляющей свой проект «Отражения Наблюдений». Художница, вдохновившись полями и далями в родной деревне Сулость под Ростовом Великим, в большой серии живописных холстов передает свое ощущение от реальных пейзажей, сплетающихся в метафизические, даже сюрреалистические миры, в которых природа становится храмом. Кудрявцева фокусирует свое внимание и внимание зрителя на упорядоченности и покое, гармонии, свойственной каждому живому дереву, цветку или листу. Ее насыщенные оттенками, но иногда почти монохромные работы буквально затягивают в свое сложное и пульсирующее пространство, по ним можно бесконечно скользить взглядом, распутывая сплетение листьев, стволов и ветвей.
«…Вдруг из-под низкой тучи вышло вечернее солнце и прямыми лучами осветило отцветший иван-чай. Ярко зажглись на стеблях его покрасневшие листья. Я восхитилась и поняла, что увидела композицию. Приехав домой, в мастерской я написала этот иван-чай. Так было положено начало серии, которую я назвала «Травы и дерева». Позже, гуляя с мамой у нас в поселке Зеленоградский, я начала видеть композиции на пути наших прогулок. Мы идем медленно, неторопливо разговариваем. А я взглядом охотника брожу по травам и деревам. Смотрю и как будто новыми глазами вижу то, к чему давно привыкла. Увиденное складывается в композиции. Я нахожу всё новые и новые образы».
Персональная выставка художника саша святоi «Эскапизм», 159F Gallerie
27 января — 1 апреля 2024
Художник саша святоi, представляющий выставку в 159F Gallerie, не делает различий между психологией взрослого и ребенка. Капсульная экспозиция, создававшаяся специально под стенд галереи в Cube, моментально переносит зрителя и на фэшн-показ, и в яркий мир детства, где у тебя просто нет сил оторваться от салатовой песочницы, наполненной сверкающим розовым песком. На открытии собственной выставки саша святоi выступил в роли эффектного арт-дилера. Художник-самоучка пришел в мир искусства из мира рекламы и брендинговых агентств. Однако еще в детстве рисование стало для него одним из источников эскапизма, способом бегства от реальности, позитивным хобби, с помощью которого он получал социально-значимое одобрение в своем окружении.
27 января — 1 апреля 2024
Художник саша святоi, представляющий выставку в 159F Gallerie, не делает различий между психологией взрослого и ребенка. Капсульная экспозиция, создававшаяся специально под стенд галереи в Cube, моментально переносит зрителя и на фэшн-показ, и в яркий мир детства, где у тебя просто нет сил оторваться от салатовой песочницы, наполненной сверкающим розовым песком. На открытии собственной выставки саша святоi выступил в роли эффектного арт-дилера. Художник-самоучка пришел в мир искусства из мира рекламы и брендинговых агентств. Однако еще в детстве рисование стало для него одним из источников эскапизма, способом бегства от реальности, позитивным хобби, с помощью которого он получал социально-значимое одобрение в своем окружении.
Псевдоним святоi реальный Саша выбрал в качестве игрового никнейма, так как одним из своих главных качеств художник считает честность. Но потом он прижился и остался с ним в профессиональной сфере. Зрителю он оставляет пространство для интерпретации. Художник считает, что главный формирователь его творчества — его собственный жизненный опыт, и он сам является альфой и омегой, единственным оператором, управляющим своей судьбы, мыслей и всего, что он производит. Главное для него — сохранить самобытность и непосредственность. Саша святоi уверен, что эскапизм на уровне всех органов чувств в детское свободное мироощущение имеет лечебный, психотерапевтический эффект, так необходимый обществу, находящемуся в глубоком кризисе и переживающему серьезные потрясения.